Viva La Vida 

들라크루아 <민중을 이끄는 자유의 여신>

 

외젠 들라크루아 <민중을 이끄는 자유의 여신>, 1830년, 캔버스의 유채, 260㎝×325㎝, 파리 루브르 박물관

 

20세기 말이 되면서 들라크루아의 작품 속 자유의 여신과 마리안느는 프랑스의 상징으로 150년 동안 널리 알려졌으며 이 그림은 프랑스와 다른 나라에서 공화당의 상징이 되었다.

 

 

1830년 7월 27일에서 29일까지 3일 동안 파리 시민들은 폭동을 일으켜 부르봉 왕조를 무너뜨리고 오를레앙의 젊을 공작을 새 왕으로 즉위시켰다. 7월 공화국은 부르봉 왕조의 흰 국기 대신에 혁명과 공화국을 상징하는 삼색을 사용해서 샤를 10세가 의도했던 1789년 이전의 프랑스로 회기하지 않고 새로운 통치자가 혁명과 제국에 등장했다는 것을 입증했다.

 

들라크루아는 작품에 '7월 28일, 민중을 이끄는 자유의 여신'이라는 제목을 붙였다. 왕의 최종 결정을 받아내 국민회의를 해산하고 자유를 얻으려는 목적뿐 아니라 부르봉 전제정치를 폐지하려는 의도에서 비롯된 3일 간의 폭동을 다룬 작품이기 때문이다.

 

이 작품은 파리 시민들의 폭동을 사실 그대로 묘사하고 있다. 당시의 전형적인 주택과 오른쪽에 노트르담 성당이 어렴풋이 보이지만 정확한 위치를 알 수 없다. 주요 인물의 복장을 통해 폭동에 가담한 시민들이 특정한 계층을 대표하고 있다는 점을 알 수 있다.

 

휘장을 빼앗아 두르고 있는 남자는 공장 노동자이고 총을 들고 있는 사람은 부르주아(학생 혹은 장인 또는 공장 간부)이며 무릎을 꿇고 삼색기를 든 남자는 시골에서 온 일용직 인부로 추정된다. 배경에는 폭동을 의미하는 수탉 모양의 모자를 쓴 이공계 대학생 무리가 보인다. 전경에 죽어 있는 병사 두 명은 왕실 연대의 군복을 입고 있는 스위스 근위병과 기병이다. 이 작품이 빅토르 위고의 『레미제라블』보다 20년이나 일찍 그려졌는데도 그림 속 소년은 『레미제라블』 속 인물이라고 해석되는 경우가 많다.

 

작품에서 가장 중요한 인물은 중앙에 있는 반나체의 여인이다. 당대 평단에서는 실제 폭도를 모델로 삼은 것이라고 여겼다. 비평가들은 그녀를 거친 노동계급의 여성으로 보았고 심지어 매춘부라고 말하는 이도 있었다. 들라크루아는 천재적인 붓놀림으로 인물을 전쟁이라는 설정 속에 자연스럽게 녹아들게 했다. 그래서 알레고리의 시각적 특성인 나체를 주요 인물(이 그림 속 유일한 여성)을 통해 부각시켰다.

 

 

외젠 들라크루아 <미솔롱기 폐허의 그리스> 1826년, 캔서스에 유채, 209㎝×147㎝,보르도 미술관

 

 

들라크루아는 1826년 <미솔롱기 폐허의 그리스>를 통해서 이미 사실주의와 알레고리를 결합시켰다. 이 작품에서는 전통의상을 입은 그리스 여인이 손을 활짝 편 상태로 헐벗은 가슴을 드러내고 있는데 이는 터키 압제자에 대항하는 그리스를 상징하는 것이다. 들라크루아는 당시 루브르 박물관에 전시되었던 <밀로의 비너스>를 보고 자유의 여신에 대한 영감을 얻었다. 이 작품 속 여성이 풍기는 고전적 특성이 이를 분명하게 암시한다. 자유의 여신의 손에 들려 있는 삼색기와 머리에 두른 붉은 휘장은 각각 고대 그리스(그리고 프랑스 혁명)와 노예해방을 상징하기도 한다.

 

가장 지적이고 뛰어난 비평가였던 테오필 토레가 1837년에 쓴 글에서 <민중을 이끄는 자유의 여신>에서 중앙의 인물이 가지는 이중적 특성을 제대로 이해하고 있음을 보여준다.

 

그림 속 여인은 젊은 여성인가? 자유의 정신인가? 원한다면 둘 다 될 수 있다.

자유가 젊은 여성으로 구현된 것이다.

진정한 알레고리는 존재의 특성을 소유함과 동시에 살아 있는 형태이자 상징이 되어야 한다.

그래서 죽은 형태를 보이는 기존의 낡은 알레고리와 다르다…….

 

<민중을 이끄는 자유의 여신>은 들라크루아의 가장 보편적이고 널리 알려진 작품으로 그의 이력과 예술에서 반환점이 되었다.

명작이란 무엇인가 저자 크리스토퍼 델, 공민희 출판사 시그마북스

 

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신화가 된 여자  

 레오나르도 다 빈치 <모나리자>

 

 

레오나르도 다 빈치 <모나리자>, 1503~1506년경, 캔버스에 유채, 77㎝×53㎝, 프랑스 파리 루브르 박물관

 

 

아름다운 미소가 눈과 입에 머물며 몸속에 있던 숙녀의 영혼을 발코니로 불러낸다

 

숙녀는 베일에 싸인 듯 조심스럽게 모습을 드러낸다

 

 

이제 <모나리자>를 둘러싼 그림의 주인공에 대한 미스터리는 사라졌다. <모나리자>의 주인공은 리사 게라르디니로 그녀는 1479년 6월 15일 피렌체에서 태어났다. 그녀의 가문은 토스카나 지주로 오랜 권세를 누렸으나 가세가 점차 기울어가고 있었다. 그래서 1494년 3월 5일 리사는 비단 장사를 하며 신흥 지주로 떠오른 프란체스코 델 조콘도와 결혼했다.

 

프란체스코와 친분이 있던 레오나르도 다 빈치의 아버지 세르 피에로 다 빈치가 결혼의 증인이 되었고 죽기 2년 전인 1537년 유언장을 작성했는데 거기에 '아내 모나리자를 향한 애정과 사랑을 담은 유언자'라고 자신을 소개하며 '항상 기품을 잃지 않으며 충실한 아내였던 모나리자에게 필요한 모든 것을 남긴다'고 적었다.

 

리사는 임신한 상태로 초상화의 모델이 되었으며  그녀의 임신과 작품이 완성되는 것과는 아무런 상관이 없었다. 다 빈치는 워낙 작업 속도가 느린 화가였고 살아 있는 동안 이 작품을 완성시키지 못했다.

 

사실 이 작품의 가장 큰 미스터리는 피렌체의 평범한 부르주아 여성의 초상화가 어떻게 세상에서 가장 유명한 예술작품이 되었느냐는 것이다. 이는 다 빈치가 보통의 초상화에 생명력을 불어넣어 초상화의 기본적인 기능을 넘어서게 했다는 점에서 그 해답을 찾을 수 있다.

 

<모나리자>는 초상화라는 면에서만 봐도 매우 혁신적인 작품이다. 그림 속의 그녀는 상당히 높은 곳에 있는 발코니에 앉아 관객을 쳐다보며 알 수 없는 묘한 미소를 짓고 있다. 이 미소는 그녀 이름의 상징인 '라 조콘다'(La Gioconda, 상냥한 사람)를 대변한다. 모나리자의 눈빛 역시 당대에 볼 수 없는 매우 무례하고 대담한 형태이다. 이러한 눈빛은 다 빈치가 그린 초기 초상화에서 찾아볼 수 있는데 아마도 <모나리자>는 사적인 작업이라서 이런 혁신적인 방식을 적용시킨 것으로 보인다.

 

그러나 <모나리자>가 가진 특별함은 형식의 새로움과 감정적 참신함을 초월한다. 이탈리아 르네상스 시대의 시에 등장하는 '사랑스러운 숙녀'의 이미지를 시각적으로 새롭게 탄생시켰다. 이 작품을 보고 단테는 이런 기록을 남겼다.

 

우리의 영혼은 크게 두 곳으로 이동한다.

이곳은 영혼의 세 가지 본성이 모이는 장소로 바로 눈과 입이다…….        

아름다운 미소가 눈과 입에 머물며 몸속에 있던 숙녀의 영혼을 발코니로 불러낸다.    

숙녀는 베일에 싸인 듯 조심스럽게 모습을 드러낸다…

 

 

다빈치는 색과 색, 형체와 형체 사이의 경계선을 명확하게 구분 짓지 않고 부드럽게 변해 가도록 처리하는 회화 기법인 스푸마토를 도입했다. 극적인 결과를 창출한 스푸마토 덕분에 모나리자의 미소는 신비롭고 부드럽다.

 

 

 대부분의 초상화가 그렇듯이 모나리자의 눈 또한 감상자를 곧장 돌아보고는 움직이는 감상자를 줄곧 뒤쫓는 듯하다. 다빈치는 왼쪽 눈은 감상자를 정면으로 향하고 오른쪽 눈은 한쪽으로 살짝 치우치게 함으로써 이런 환영을 만들어 냈다.

 

 

단테가 묘사한 것처럼 베일에 가려진 영혼의 초상화는 다 빈치가 정확히 의도한 것이다. 그는 염료로 섬세한 층을 만들었고 그 위에 유약을 덧발라 베일에 싸인 것 같은 느낌을 주었다. 그래서 우리는 그림의 선명한 윤곽을 찾으려 하다가 모나리자의 은은한 미소와 표정에 상상 속으로 빠져든다. 그래서 우리는 이전 세대와 마찬가지로 <모나리자>가 바라는 대로 넋을 잃고 그녀를 바라볼 뿐이다.

 

명작이란 무엇인가 저자 크리스토퍼 델, 공민희 출판사 시그마북스

 

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시대를 초월해 명작의 반열에 든 작품들!

 

금기와 인습을 깨고 예술의 새로운 지평을 열다!!

 

｜책 소개｜

 

 

사람들 개개인이 생각하는 명작의 기준은 다르겠지만 모두가 입을 모아 명작이라고 평가한다면, 그 작품은 시대를 초월한 어떤 보편적 가치를 담고 있다는 의미가 아닐까? 그렇다면 그 보편적 가치란 도대체 무엇일까?

 

이 책에 실린 글들은 기고자들 각자가 명작이라 꼽는 작품에 대한 해설을 한데 엮은 것이다. 기고자들 대부분은 박물관 큐레이터, 예술사학자, 고고학자와 인류학자, 예술품 보존연구가 등 예술과 역사, 그리고 문화가 교차하는 지점을 고찰하는 사람들이다. 그들은 예술작품에 내재된 역사의식과 문화를 이해하는 것이야말로 그 작품의 가치를 판단하는 중요한 열쇠라고 말한다. 즉 어떤 작품이 미적인 가치뿐만 아니라 역사적？문화적 관점에서 호소하는 바가 있을 때, 그 작품을 명작이라고 부른다는 것이다. 일례로 오늘날 작품에 사용되는 기법은 그 어느 때보다도 다양해졌지만 20세기 이후의 예술에선 기교가 아니라 그 속에 담긴 의미와 정서를 더 중요하게 여긴다.

 

이 책은 3만 년 전에 만들어진 프랑스 쇼베의 동굴 벽화에서부터 동서양의 종교예술 작품과 근대 서양미술에 이르기까지 대중들의 눈을 사로잡은 명작 70점을 소개하며 각각의 작품들이 예술사에서 차지하는 의의를 되짚어본다.

 

 

｜차례｜

 

들어가는 말 명작의 탄생_ 크리스토퍼 델   1. 예술의 탄생: 기원전 500년까지 쇼베 동굴_장 클로트 멘카우라의 석상_톰 필립스 올멕 문명의 거대한 두상 8번_마이클 D. 코 아슈르바니팔의 사자 사냥_줄리안 리드 쿠로스_재스 엘스너   2. 권력의 예술: 기원전 500년～기원후 1000년 ‘테베공략 7장군’ 조각_조반니 콜론나 루도비시의‘ 대좌’_로빈 오스본 리아체 청동상_로빈 오스본 엘체의 부인_루비 산즈 게모 폼페이 신비의 저택_메리 비어드 마르쿠스 아우렐리우스 황제 기마상_ 낸시 H. 레미지 첫 번째 설법을 전하는 부처_존 가이 성자 두 명과 천사들이 함께 있는 모자상_재스 엘스너 모체 초상화 도자기_크리스토퍼 B. 도난   3. 문화의 혼합기: 1000～1300년 장택단의 청명상하도_로더릭 휫필드 아난타 위에 누운 비슈누_존 가이 베즐레 팀파눔_장 르네 가보리 체팔루 대성당 모자이크_존 줄리어스 노리치 폴로나루와의 와불상_안토니 곰리 운경의 무착과 세친_도널드 F. 매컬럼 샤르트르 대성당의 스테인드글라스_페인튼 코웬   4. 새로운 시작: 1300～1500년 이페 구리 마스크_수잔 프레스턴 블라이어 조토 디 본도네의 스크로베니 예배당의 프레스코화_주세페 바질레 김우문 외의 수월관음도_박영숙 클라우스 슬뤼터르의 모세의 샘_수지 내쉬 후베르트 반 에이크와 얀 반 에이크의 헨트 제단화_크리스토퍼 델 마사초와 마솔리노의 브랑카치 예배당 프레스코화_ 오르넬라 카사자 프라 안젤리코와 로렌초 모나코의 십자가에서 내려지는 예수 _매그놀리아 스쿠디에리 로히어르 판 데르 베이던의 그리스도의 십자가 강하_ 가브리엘레 피날디 도나텔로의 다비드_울리히 피스테러 아스텍의 독수리 기사_수잔 토비 에번스 피에로 델라 프란체스카의 몬테펠트로 제단화_ 메릴린 아론버그 라빈 산드로 보티첼리의 비너스의 탄생_폴 요아니데스

5. 완벽한 예술을 꿈꾸며: 1500～1600년 알브레히트 뒤러의 자화상_울리히 피스테러 레오나르도 다 빈치의 모나리자_마틴 켐프 조반니 벨리니의 산 차카리아 제단화_피터 험프리 히로니뮈스 보스의 세속적인 쾌락의 동산_그레이슨 페리 미켈란젤로 부오나로티의 시스티나 성당 천장벽화_윌리엄 E. 월리스 라파엘로 산치오의 아테네 학당_잉그리드 D. 로랜드 마티아스 그뤼네발트의 이젠하임 제단화_조셉 레오 코너 베첼리오 티치아노의 성모승천_프란체스코 다 모스토 술탄 무하마드의 키유마르스의 왕궁_데이비드 J. 록스버그 구영과 루 시다오의 산수화_크레그 클루나스 대(大) 피터르 브뤼헐의 네덜란드 속담_스테판 켐퍼딕 틴토레토의 그리스도의 십자가 처형_쿠엔틴 블레이크 엘 그레코의 오르가즈 백작의 매장_사비에르 브레이   6. 과거와 현재: 1600～1800년 카라바조의 엠마오의 저녁식사_헬렌 랭던 아르테미시아 젠틸레스키의 홀로페르네스의 머리를  베는 유디트 _저메인 그리어 비치트르의 수피파 샤이크를 왕들보다 더 좋아하는 자항기르 황제 _데보라 스왈로우 페테르 루벤스의 아레스로부터 에이레네를 보호하는 아테나_데이비드 제프 렘브란트 판 레인의 야간순찰_크리스토퍼 델 잔 베르니니의 성 테레사의 환희_마리나 워너 니콜라스 푸생의 포키온을 그린 작품_피에르 로젠베르크 로히어르 판 데르 베이던의 그리스도의 십자가 강하_가브리엘레 피날디 도나텔로의 다비드_울리히 피스테러 아스텍의 독수리 기사_수잔 토비 에번스 피에로 델라 프란체스카의 몬테펠트로 제단화_메릴린 아론버그 라빈 산드로 보티첼리의 비너스의 탄생_폴 요아니데스   7. 근대를 향해서: 1800년대 이후 프란시스코 데 고야의 1808년 5월 3일_마뉴엘라 메나 마르케스 카스파르 다비드 프리드리히의 안개바다 위의 방랑자_워너 부쉬 외젠 들라크루아의 민중을 이끄는 자유의 여신_ 바르텔레미 조베르 조지프 말로드 윌리엄 터너의 영국 국회의사당 화재, 1834년 10월 16일_앤드루 윌튼 토머스 콜의 옥스보우 정경_마이클 J. 루이스 클로드 모네의 아르장퇴유 부근의 개양귀비꽃_존 하우스 에드가 드가의 14세의 어린 무용수_쿠엔틴 블레이크 에두아르 마네의 폴리 베르제르의 술집_필립 풀먼 오귀스트 로댕의 신들의 전령, 아이리스_안토니 카로 폴 세잔의 사과와 오렌지_크리스토퍼 델 빌헬름 함메르쇠이의 햇살_안네 버짓 폰스마크

 

 

 

선사시대의 쇼베 동굴 벽화부터 입체파, 폴 세잔에 이르기까지

 

전 시대와 문화권을 통틀어 예술가, 비평가, 예술사학자들이 경험한 명작 70점 소개!!

 

 

차례를 통해 구성을 살펴보면 개별 작품을 연대순에 따라 ‘예술의 탄생’, ‘권력의 예술’, ‘문화의 혼합기’, ‘새로운 시작’, ‘완벽한 예술을 꿈꾸며’, ‘과거와 현재’, ‘근대를 향해서’라는 범주로 나누어져 있어 명작의 정의가 어떻게 달라져 왔는지를 알 수 있다.

 

책장을 넘기다보면 흥미로운 사실을 발견할 수 있는데, 뒤로 갈수록 작품에 표현된 인물의 표정이 다양해진다는 것이다. 문명이 태동하던 무렵에 절대권력을 묘사하는 상징물과 르네상스 이전의 종교예술 작품에 등장하는 인물들은 하나같이 무표정이다. 이는 르네상스로 넘어오면서 인류가 비로소 지성의 자유와 인간성, 인본주의에 관심을 가지기 시작했다는 점을 시사한다.

 

본문은 개별 작품이 명작인 이유를 예술가나 사조가 아닌 작품 자체에 담긴 역사적․문화적 가치로써 설명하는 방식을 택한다. 기고가들은 자신들이 선택한 작품을 구조적으로 분석하거나 작품 속에 숨은 이야기를 소개함으로써 그 독특한 중요성을 알려준다. 예술사학자 마틴 켐프는 피렌체의 평범한 부르주아 여성의 초상화가 세상에서 가장 유명한 예술작품인 <모나리자>가 될 수 있었던 까닭을 들려준다. 필립 풀먼은 에두아르 마네의 <폴리 베르제르의 술집>에 담긴 미스터리를 세부묘사에 주목하여 분석함으로써 작가가 인물의 내면심리를 어떻게 표현하려 했는지 서술한다.

 

좀 더 개인적인 관점에서 작품에 접근한 기고자들은 자신의 경험에 비추어 작품의 의미를 해석하거나 자신의 작품에 영향을 준 예술가와 그 작품을 소개한다. 헬렌 랭던은 자연주의적인 인물 묘사를 통해 불경스럽다고 여겨질 만큼 사실적인 종교화를 그렸던 카라바조와 그의 작품에 주목한다. 카라바조는 마리아나 그리스도가 있어야 할 자리에 창녀 등 실제 인물을 배치하여 그림으로써 기존 종교예술의 금기를 깼다. ‘명작이란 무엇인가?’ 그 해답을 알고 싶다면 자신의 시대를 표현하되, 전통적인 양식을 재해석하여 새로운 형식을 창조해낸 위대한 작가들과 그들의 작품을 만나보자. 이 책 속에서 만나게 될 280점의 그림과 기고자들의 글들이 명작이란 무엇인가라는 질문에 좀 더 쉽게 접근할 수 있게 도와줄 것이다.

 

명작이란 무엇인가 저자 크리스토퍼 델, 공민희 출판사 시그마북스

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