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연극평론가 안치운이 날렵한 문체로 써내린 연극 비평!

『연극과 기억』은 호서대 연극학과 교수인 연극평론가 안치운의 평론집이다. 안치운이 1995년부터 2006년까지 여러 매체에 기고한 140여 편의 공연평을 통해 한국 공연예술의 전모, 현대 한국의 정신적 풍경들이 드러난다. 여기에는 전통 연극, 뮤지컬, 가면극, 춤극 등 다양한 분야가 망라되어 있다.

〈남자충동〉, 〈너희가 재즈를 믿느냐〉, 〈신곡〉, 〈아마조네스의 꿈〉, 〈자전거〉, 〈날 보러 와요〉, 〈오감도〉, 〈파우스트〉, 〈한 여름 밤의 꿈〉, 〈로미오와 줄리엣〉 등의 작품이 비평의 대상에 올랐다. 본문은 이들을 가족, 거울, 공간, 권력, 만남, 침묵, 상처, 실험, 여성, 역사, 풍자, 죽음과 삶 등 18개 키워드로 묶은 뒤 각각의 묶음에 대해서 해설하였다.

안치운은 거짓과 유행, 본말이 전도된 기발함을 좋아하지 않는 자신의 태도를 곧고 단호히 표현한다. 이를 통해 우리 스스로 황폐한 정신 세계에 대한 비판을 하도록 유도한다. 특히 각 작품마다 비평에 앞서 원작, 각색, 또는 극작가, 연출가, 주관, 공연장, 공연한 연도를 밝혔다.

〈font color="1e90ff"〉☞〈/font〉 이 책의 독서 포인트!
공연 평론의 울타리를 뛰어 넘고 예술과 인문의 장르적 차이를 넘나들며 현대인의 기억, 즉 정신적 풍경에 대한 인문학적 탐구를 시도하고 있다는 점이 눈에 띈다.

연극비평이 연극의 철학이고, 연극에 대한 글쓰기의 철학이라고 말한다면 다들 웃을 것이다. (본문 219페이지)

그러나 그것이 안치운이 양보하지 않는 지점이다. 우리 시대 최고의 연극평론가인 안치운(호서대 연극학과 교수)의 평론집 『연극과 기억 - 우리 시대의 공연예술 읽기』가 을유문화사에서 출간되었다. 1995년부터 2006년까지 여러 매체에 기고한 140여 편의 공연평이 실려 있고, 다루는 분야는 전통 연극, 뮤지컬, 가면극, 춤극 등 다양하다. 이들을 18개의 키워드(가족, 거울, 공간, 상처 등)로 묶은 뒤 각각의 묶음에 대한 해설을 시도했다.

개별 공연을 바라보는 안치운의 관점은 곧고 단호하다. 거짓과 유행, 본말이 전도된 기발함을 좋아하지 않는 지은이의 태도는 하나의 공연평이 우리의 황폐한 정신 세계에 대한 비판을 수행하도록 하고 있다. 권말에 자세한 찾아보기를 실어, 이 책이 이 시기의 한국 공연예술에 대한 사전 노릇도 능히 할 수 있도록 했다.

작품의 본질에 일거에 육박하는 안치운의 강인한 사색과 글쓰기는 공연 평론의 울타리를 넘어 현대 한국의 정신적 풍경에 대한 인문학적 탐구가 되고 있다. 글을 읽으면 비록 그 공연을 접하지 못한 독자들도 뭔가를 배우고, 새로운 개안을 경험하게 된다.

머리말

1 가족이라는 신화
2 거울의 방
3. 연극과 공간
4. 관객의 기억
5. 권력의 풍경
6. 사이, 만남, 타인
7. 춤, 몸의 기억
8. 상처가 말한다
9. 침묵의 소리
10. 실험은 오래 지속된다
11. 말의 혼돈
12. 연극 속의 여성
13. 역사와 기억
14. 웃음, 풍자, 아이러니
15. 세속도시와 연극
16. 죽음과 삶의 연극
17. 현대연극과 햄릿의 그림자
18. 창작과 해설의 주름

연극과 춤을 비롯한 공연이 ‘오고 있다’는 말은 글로나 가능한 서술일 뿐, 모든 것은 떠나가고 있다. 이 책이, 사라지는 것을 중요하게 여기지 않은 한국사회에서 공연예술에 대한 옹호이며, 사라질 수밖에 없는 공연의 자취로 받아들여졌으면 좋겠다. (6페이지)

정확하게 말하면, 뮤지컬이 빨리 가는 것이 아니라 자본주의가 뮤지컬의 속도를 빠르게 할 뿐이다. 그러므로 이 작품은 정상적인 삶의 궤적을 담아 내지 못하고 있다. 속도감에 빠져 미친 세상은 파멸을 예감한다. 정신없는, 정신이 나간 세상처럼. 뮤지컬의 광포함에 반하는 순수 연극의 정체는 연극 그 자체 탓만은 아니다. 분명한 것은 연극보다 더 빨리 가는 것이 바로 미쳐 날뛰는 세상이라는 점이다. 그 결과 연극은 저 멀리 빠른 속도로 앞서가는 세상을 보지 못하고, 세상은 천천히 뒤따라오는 오다가 멈춘 것으로 보이는 연극을 되돌아보지 못한다. (22페이지)

마지막으로 한마디, 공연 포스터는 두 명의 여자 배우가 화사한 옷차림으로 후미진 골목길 계단 가운데에 앉아 있는 모습을 담고 있다. 한 명은 두 다리를 벌린 채, 다른 한 명은 허벅다리를 드러낸 채. 이들 모두는 왼쪽 팔을 얼굴에 대고 앞을 바라보고 있다. “형식과 위선의 낡은 탈을 벗어버리고 처녀비행이 시작됩니다”라는 홍보문구가 그들 머리 위에 씌어져 있다. 이 포스터는 보는 이의 관심을 끌지만 희곡의 내용과는 무관하다. 극중에서 약아빠진 세상사를 터득하지 못한 연극인의 모습과 달리 포스터의 의도는 분명하다. (45페이지)

배우 윤석화가 눈물로 연기의 세월을 보내는 이유를 이제 알 만하다. 평면적인 연출과 무대의 빈 곳을 채울 수 있는 것은 그로서는 눈물이었을 것이다. 여섯 번 옷을 갈아입고 다섯 번 구두를 갈아 신고 텅 빈 무대에 선 그는 스스로의 허함을 어찌할 수 없었을 것이다. 막막한 무대와 1950년 전쟁 전의 분위기, 이를 몸에 저장해야 하는 그녀가 대사에 몸을 얹을 수도 없고 연출에 기댈 수도 없다면, 그녀로서는 마지막 숨겨 놓은 카드를 쓰지 않을 수 없다. 그것은 즉석에서 빼낼 수 있는 눈물이 아니던가. 관객들은 그의 눈물이 상투적인 것이 아니길 바랄 뿐이다. (50페이지)

배우들이 고전희곡의 대사들을 술술 외운다. 연극과 배우는 고전을 말할 때 가장 아름답다. 고전작품은 여전히 희망이다. (58페이지)

어린이연극들이 헤아릴 수도 없이 많이 쏟아져 나오고 있다. 이러한 연극들을 조금이라도 눈여겨본 사람이라면 그 질적인 무질서에 놀라지 않을 수 없다. 아이들을 대상으로 하는 연극들은 어른들을 대상으로 하는 연극보다 그 내용이 쉬운 것은 사실이다. 그렇다고 해서 어린이연극이 어른을 위한 연극보다 보기 쉽다고 생각하는 것은 커다란 잘못이다. 그런데도 어린이연극을 만드는 대다수 극단들은 몇 개의 문장으로 요약 가능한 도덕책 같은 이야기를 늘려서 어린이연극을 양산해내고 있다. 전혀 밀도가 없는 말투, 표현과 언어경제 원칙을 거꾸로 이행하고 있는 듯한 연극들이 어린이연극의 인플레 현상을 빚어내고 있다. (102페이지)

배우들의 연기에선 허튼 짓이 보이지 않았다. 필자는 특히 무대 위 배우들의 엄정함을 좋아하는데, ?애벌레?에 등장하는 배우들은 약속한 동작, 공간을 넘어서지 않았을 뿐더러 공연 내내 집중하려고 애를 쓰고 있었다. 그 공덕은 고스란히 관객들에게 전달된다. 1시간 40분가량 관객들이 공연 속으로 빠져들 수 있었던 것은 배우들이 보여준 집중력 덕분이다. (139페이지)

작금의 지원형태는 일회성 소모에 치중되어 그 위험이 많다. 마치 2000년이 시작될 때 벌어진 ‘밀레니엄 축제’처럼 일회적이고 소모적인 지원에 불과하다. 운 좋게 지원금을 받은 작가는 품위를 잃어버리고, 그럴수록 작가의 존재와 작품의 수준은 더 추락하는 것 아닌가. 작품이라고 할 수 없는 것이 버젓이 공연된다면 그것은 연극의 미적 가치와 판단을 송두리째 무화시키는 일이다. 그런 식으로 계속된다면 한국연극은 연극의 사회화를 이루는 것이 아니라 끼리끼리 모여 사는 폐쇄회로 속에 갇히고 말 것이다. 작가의 고독, 영원한 고전을 위한 문예지원제도가 절실하다. (141페이지)

말하는 원숭이의 등장, 추송웅이란 배우가 했던 이 모노드라마는 관객들의 폭발적인 호응에도 불구하고 그 끝은 좋지 않았다. 카프카가 아니라 배우 추송웅이 도드라졌고, 공연은 동물이 인간으로 변할 수밖에 없는 절박함보다는 피이터란 원숭이로 분장한 배우로 더 많이 알려졌었다. 이 작품이 공연되었던 창고극장은 지금 없어졌고, 배우 추송웅는 1985년 마흔넷의 나이로 요절했다. 그 후 20년이 꼬박 지난 지금, 이 작품은 배우 권혁풍에 의해 다시 공연되고 있다. 세월이 흐르고, 배우가 바뀌고, 극장이 달라졌어도 제목은 변하지 않은 채로 있다. 이번 공연에는 관객들