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세계 최초 현대미술관인 뉴욕 현대미술관 핵심 컬렉션 공식 안내서!

현대미술의 모든 것『모마 하이라이트』. 현대 미술의 역사와 최신 경향까지 안내하는 이 책은 1999년 첫 출간 이후 14년 만에 전면적인 개정판으로 출간 되었다. 타입페이스나 콘셉추얼 퍼포먼스 등 현재 세계 미술계를 선도하는 경향을 받아들여 115점의 현대미술 작품을 추가하였다. 모마의 핵심적인 컬렉션의 정보와 현대미술사의 흐름까지 모두 담아내어 현대미술을 정확하게 이해하고 예술을 바라보는 안목을 키워 줄 것이다.

이 책은 관장 글렌 라우어리와 여러 전문 큐레이터들이 10만 점이 넘는 모마 컬렉션 중 회화, 조각, 미디어, 행위예술, 건축, 디자인 등 분야의 대표작 350점을 엄선하여 소개하고 있다. 글렌 라우어리 관장은 ‘최고의 현대미술관’이란 명성을 지키기 위해 앙리 루소의 ‘잠자는 집시’, 빈센트 반 고흐의 ‘별이 빛나는 밤’, 파블로 피카소의 ‘아비뇽의 처녀들’, 앤디 워홀의 '캠벨 수프 깡통‘, 백남준의 ’TV를 위한 선‘ 등 소장하고 있는 세계적 현대미술 작가의 대표 작품들을 지식과 감성까지 폭넓게 전해주고 있다.

“이 책에는 현대미술의 블록버스터가 모두 들어있다”
뉴욕 현대미술관 핵심 컬렉션 공식 안내서
《모마 하이라이트》 2014년 최신개정판 출간!
ㆍ 10만 점이 넘는 방대한 모마 컬렉션 가운데 엄선한 현대미술 대표작 350점 소개
ㆍ 모마의 글렌 라우어리 관장 및 큐레이터들이 선정한 주요 명작으로 읽는 현대미술 흐름
ㆍ 1999년부터 미술 전문가와 애호가의 사랑을 받아온 독보적 콘텐츠의 전면 개정판

세계 최초이자 당대 제일의 현대미술관으로 손꼽히는 뉴욕 현대미술관[The museum of Modern Art, 약칭 ‘모마(MoMA)’]이 핵심 컬렉션의 공식 안내서《모마 하이라이트(MoMA HIGHLIGHTS)》를 출간했다. 이는 미술계 유력인사인 글렌 라우어리(Glenn D. Lowry) 관장과 여러 전문 큐레이터가 10만 점이 넘는 방대한 모마 컬렉션 가운데 회화, 조각, 영화, 사진, 미디어, 행위예술, 건축, 디자인, 드로잉 등의 분야에서 대표작 350점을 엄선해 소개한 책이다. 모마는 19세기 중반 이후부터 현재까지의 모던 아트와 컨템퍼러리 아트를 집중적으로 연구해왔으며 꾸준히 현대미술 작품을 구입, 매각하고 기증받으면서 적극적으로 차별화된 컬렉션을 구축하고 있다. 1999년 《모마 하이라이트》의 초판을 출간한 모마는 그동안 컬렉션이 겪은 역동적 변화를 반영해 14년 만에 전면적으로 개정 작업을 진행했다. 《모마 하이라이트》 2014년 최신개정판은 특히 타입페이스나 콘셉추얼 퍼포먼스 등 현재 세계 미술계를 선도하는 경향을 적극적으로 받아들여 115점의 현대미술 명작을 추가했는데 이에 따라 기존 책의 내용 가운데 1/3가량이 완전히 새롭게 집필되었다. 또한 모마의 역사, 현주소, 작품 선별의 원칙 등에 관한 귀중한 정보가 담겨 있는 서문도 교체되었다. 모마의 핵심 컬렉션에 대한 알찬 정보와 시대적 흐름까지 두루 담아낸 《모마 하이라이트》, 현대미술을 정확히 읽고 이해하는 특별한 심미안을 키워줄 것이다.

편향된 취향의 시대를 헤쳐나가며
현대미술의 이정표를 세운 ‘모마’
모마는 선구적으로 모던 아트를 집대성해온 미술관으로서 현대미술 전문가와 예술가는 물론 미술 애호가에게 신뢰와 지지를 받아왔다. 오랜 세월 미술관의 주된 영역이라 여겨졌던 회화나 조각 등에서 한 발 나아가 영화, 사진, 미디어, 디자인과 같은 당대 신생 영역의 작품을 대폭 수용하고 접근성 좋은 뉴욕 한복판에 자리 잡아 대중적으로도 높은 인기를 누리고 있다. 지난 2004년 11월 모마가 2년 반 동안의 리모델링을 마치고 재개관할 때, 비가 내리는 궂은 날씨였음에도 새벽부터 수천 명의 관람객이 운집해 맨해튼 웨스트 53번가를 메웠던 사건은 세계 미술계의 유명한 일화 중 하나이다.
이렇듯 이 시대에 모마는 강력한 존재감과 영향력을 갖춘 현대미술관이지만 설립 초기에는 실험적 성격의 임시 갤러리에 불과했다. 당시 예술 후원가로 활동하던 애비 올드리치 록펠러(대부호인 록펠러 2세의 부인)는 현대미술에 대한 관심이 커지자 친구인 릴리 블리스, 코넬리우스 설리반과 뜻을 모았고, 1929년 뉴욕 5번가 한 건물의 작은 공간을 대여해 판화 8점, 회화 1점의 작품을 내걸고 ‘뉴욕 현대미술관’을 개관했다. 그때만 해도 주로 고전 작품에만 예술적 가치가 있는 것처럼 여겨지던 편향된 취향의 시대였기에 현대미술 작품들을 소개한 모마의 시도는 굉장히 파격적이었다. 미술계 일부에서는 ‘과연 현대미술이 작품으로서 진지하게 논의될 가치가 있는지’ 논란이 일기도 했으나 현대미술의 신선한 매력이 가득한 이 공간은 곧 대중으로부터 뜨거운 호응을 얻었고 이를 계기로 모마는 정식 미술관으로 발돋음할 수 있었다.
이후 모마는 수십 년 동안 7번의 증축이 필요할 만큼 성장했고 6천 명이 동시관람을 할 수 있는 대규모 현대미술관으로 거듭났다. 성공적으로 현대미술의 이정표를 세워나간 이 과정에서 앨프리드 바 주니어와 같은 시대를 앞선 탁월한 감각의 미술관 관장과 도로시 밀러 등의 전설적인 큐레이터가 영입되어 큰 역할을 했다. 그리고 이제 화려한 명성의 선배들을 잇는 다수의 전문가들이 7개의 학예부서로 구성되어 혁신적이고 창의적인 전시를 지속적으로 개최하고 있다. 모마의 발전사에 대해 현 관장인 글렌 라우어리는 다음처럼 설명한다.

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모마는 끊임없이 스스로를 비평해야 했는데, 그것은 미술관이 관찰자인 동시에 관찰의 대상이 된다는 것을 의미했다. 사실 이렇게 자신에게 거리를 두는 것은 불가능할지 몰라도, 적절한 거리를 지키려는 노력은 강도 높은 내부 토론과 대중들의 의견을 반영하려는 열린 태도로 이어졌으며, 미술관은 가능하면 많은 관람객들이 모던 아트를 깊이 있게 이해할 수 있는 방법을 모색해왔다. (…) 모마는 주기적으로 스스로를 쇄신해야 하며, 은유적으로나 실질적으로 새로운 공간을 그려내야 한다. 그렇게 하기 위해서 모마는 스스로에 대한 가장 엄격한 비평가가 되어야만 한다. 따라서 모마와 모마의 역사 그리고 그 미래에는 지속적인 모순과 갈등이 프로그램화되어 있다고 할 수 있다. 다른 관점에서 생각할 때, 과거의 모마는 이전에는 무시당했거나 마지못해 인정받았던 예술가와 관람객들을 위해 기여하는 한편, 혼란 속에서 성장해왔다. 그리고 앞으로도 현대미술에 관여하고자 한다면, 변함없이 분열을 받아들이는 동시에 새로운 아이디어와 접근법에 관대한 방식을 모색해야 한다. - 본문 6쪽
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글렌 라우어리 관장의 말처럼 모마는 ‘최고의 현대미술관’이라는 명성을 지키기 위해 부단히 쇄신해왔다. 그리고 그 노력의 결실이 바로 《모마 하이라이트》를 통해 소개하고 있는 350점의 핵심 소장품들이다. 앙리 루소의 〈잠자는 집시〉, 빈센트 반 고흐의 〈별이 빛나는 밤〉, 파블로 피카소의 〈아비뇽의 처녀들〉, 피트 몬드리안의 〈브로드웨이 부기우기〉, 스탠리 큐브릭의 〈2001: 스페이스 오디세이〉, 앤디 워홀의 〈캠벨 수프 깡통〉, 에드워드 호퍼의 〈철길 옆의 집〉, 백남준의 《TV를 위한 선(禪)》 등 《모마 하이라이트》에는 세계적 현대미술 작가의 블록버스터급 작품이 가득하다.

미술 전문가부터 예비 뉴욕여행자까지,
현대미술 역사와 최신 경향을 읽고 예술적 시야를 넓히다
현대미술의 지평을 열어온 모마는 ‘현대미술의 역사’ 자체이다. 《모마 하이라이트》를 가리켜 모마는 “모던 아트 최고의 ‘하이라이트’다”라고 자평한다. 그야말로 모마의 모든 것이 집대성되어 있는 이 책은 10만 점이 넘는 광범위한 모마 컬렉션과 복잡하면서 난해한 현대미술 지형도를 올바로 이해하는 길로 이끄는 가장 믿음직한 안내자이다.
현대미술을 이야기하는 데 있어 《모마 하이라이트》는 구성상 철저하게 모마의 전시 방법을 따랐다. 여타의 미술관과 달리 모마는 작품을 미학사적 흐름에서 조명한다. 관람자가 보다 능동적이고 창의적으로 작품에 다가갈 수 있도록 한 것으로, 《모마 하이라이트》는 이 원칙을 지켜 대체적으로 동시대의 작품들을 연속해서 소개하되 엄격하게 연대순으로 따르지 않고 작품을 주제, 재료, 색감 등 다양한 관점에서 보여준다.
그리고 《모마 하이라이트》는 작품들을 지나치게 시대배경이나 작가의 철학, 의도 등을 중심으로 다루지 않는다. 현대미술의 걸작 중의 하나인 앤디 워홀의 《캠벨 수프 깡통》에 대한 다음 글처럼 간단명료하고 객관적이면서 예리하고 지적인 접근을 원칙으로 삼고 있다.

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다른 팝 아트 작가들과 마찬가지로, 워홀은 대중들이 잘 알고 있는 친숙한 이미지를 사용했다. 그는 만화, 광고, 록 음악과 영화 스타의 사진, 신문에 실린 사진 등을 작품의 주제로 이용했다. 〈캠벨 수프 깡통〉에서 워홀은 대량생산되는 상품을 있는 그대로 재현했다. 워홀은 캠벨에서 판매하는 수프의 종류에 해당하는 서른두 개의 깡통을 그려, 그림처럼 갤러리 벽면에 걸어 전시했다. 서른두 개의 캔버스는 마치 식품점 가게에 진열된 실제 깡통처럼 보인다. 같은 이미지를 같은 크기로 반복한 캔버스들은 캠벨 수프 깡통의 획일성과 편재성을 강조한다. 이 캔버스들은 독창적인 매체로서의 회화의 개념을 전복시킨다. 이러한 시각적 반복은 상품의 이름을 대중들의 의식에 심어넣으려는 광고에서 오래전부터 사용된 기법이다. - 본문 234쪽
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모마의 작품 접근법은 지나치게 의미를 찾는 시시콜콜한 설명에 가려 미처 몰랐던 작품 자체의 아름다움을 느끼게 한다. 또한 감상자가 작품에 온전히 몰입해 예술적 영감과 활기를 충분히 얻도록 해준다.
《모마 하이라이트》는 미술사의 한 페이지를 장식할 만한 세계적 걸작 350점을 통해 지식부터 감성까지 폭넓게 전해주는 현대미술의 독보적 콘텐츠로서 미술과 관련된 일을 하는 전문가와 미술 전공자부터 예술에 깊은 관심을 갖고 있는 미술 애호가까지 두루 유용한 책이다. 나아가 ‘현대미술의 메카’ 뉴욕을 여행하고자 계획 중인 이들에게도 필수 여행코스인 모마를 미리 체험하면서 작품에 대한 정보까지 얻는 특별한 가이드북이 되어줄 것이다.

- 책속으로 이어서 -

“나는 미술이 선택받은 소수의 사람들을 위한 것이라고 생각하지 않는다. 나는 미술이 일반적인 대중을 위한 것이어야 한다고 생각한다.” 워홀은 이와 같이 말했다. 다른 팝 아트 작가들과 마찬가지로, 워홀은 대중들이 잘 알고 있는 친숙한 이미지를 사용했다. 그는 만화, 광고, 록 음악과 영화 스타의 사진, 신문에 실린 사진 등을 작품의 주제로 이용했다. 《캠벨 수프 깡통》에서 워홀은 대량생산되는 상품을 있는 그대로 재현했다. 워홀은 캠벨에서 판매하는 수프의 종류에 해당하는 서른두 개의 깡통을 그려, 그림처럼 갤러리 벽면에 걸어 전시했다. 서른두 개의 캔버스는 마치 식품점 가게에 진열된 실제 깡통처럼 보인다. 같은 이미지를 같은 크기로 반복한 캔버스들은 캠벨 수프 깡통의 획일성과 편재성을 강조한다. 이 캔버스들은 독창적인 매체로서의 회화의 개념을 전복시킨다. 》》 앤디 워홀의 ‘캠벨 수프 깡통’ 중에서(234쪽)

《버다나》는 뉴욕 현대미술관에서 신설한 컬렉션 구역의 주인공인 스물세 개의 디지털 서체 중 하나이다. 객체, 건물 설계가 그렇듯, 서체 디자인에도 사회의 발전, 생산 재료와 수단의 진전, 문화적 성향, 기술 향상이 반영된다. 그리고 서체는 현대미술과 디자인 역사에서 매우 중요한 부분이기도 하다. 《버나다》의 창시자인 매튜 카터는 서체 디자인이 아직 시작 단계일 무렵, 자연스럽게 디지털 분야로 옮겨왔다. 기존의 디지털 서체들은 인쇄 상태에서 읽는 것이 목적이었지만 설계는 모니터상에서 이루어졌다. 그러나 마이크로소프트사에서 위탁받아 만든 《버다나》는 컴퓨터 화면에 맞게 설계했으며, 크기가 작아도 편하게 읽을 수 있게 했다. 단순한 곡선, 큼직하고 시원스러운 글자, 볼드체로 변환하더라도 넉넉한 자간 덕분에 가독성은 높아졌다. 》》 매튜 카터의 ‘버다나’ 중에서(348쪽)

서문
폴 세잔 《수영하는 사람》
에드윈 포터 《대(大)열차강도》
오귀스트 로댕 《발자크》
폴 고갱 《아레오이의 씨》
앙리 루소 《잠자는 집시》
빈센트 반 고흐 《별이 빛나는 밤》
루이 뤼미에르 《아기와 함께하는 식사》
파블로 피카소 《아비뇽의 처녀들》
앙리 마티스 《춤》
마르셀 뒤샹 《자전거 바퀴》
마르셀 브로이어 《바실리 의자》
월트 디즈니 《증기선 윌리》
찰스 채플린 《황금광 시대》
피트 몬드리안 《브로드웨이 부기우기》
피에르 보나르 《욕실의 누드》
윌렘 드 쿠닝 《여인 I》
어빙 펜 《커다란 소매(서니 하넷)》
스탠리 큐브릭 《2001: 스페이스 오디세이》
로이 리크텐스타인 《공을 잡은 소녀》
사이 톰블리 《레다와 백조》
에드워드 호퍼 《철길 옆의 집》
조지아 오키프 《레이크 조지의 창문》
아킬레 카스틸리오니 《아르코 플로어 램프》
앤디 워홀 《캠벨 수프 깡통》
백남준 《TV를 위한 선(禪)》
존 바너드와 페라리 《포물라 1 경주용 자동차》
스도 레이코 《오리가미 주름 스카프》
조나단 아이브, 애플 《아이팟》
매튜 카터 《버다나》 등 350점
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도움을 준 사람들
사진 제공
뉴욕 현대미술관 위원회

모마는 또한 미술작품을 구입하고, 경우에 따라서는 작품을 매각하여 컬렉션의 질을 향상시키기도 한다. 이 중 가장 유명한 사례는 에드가 드가의 작품과 릴리 블리스의 유증작 중 일부를 매각하여 피카소의 《아비뇽의 처녀들》을 구입한 일이다. 피카소의 《아비뇽의 처녀들》은 20세기의 가장 중요한 회화작품 중 하나로 모마 컬렉션의 초석이 된다. 또1989년 매각을 통해서 반 고흐의 《조제프 룰랭의 초상》을 구입했으며, 1995년에는 게르하르트 리히터의 유명한 열다섯 점짜리 연작 ‘1977년 10월 18일’을 입수했고, 2003년에는 재스퍼 존스의 《다이빙 선수》를 구입했다. 모마가 세계에서 가장 광범위한 모던 아트 컬렉션을 보유하게 된 주된 이유는 미술관을 설립할 때부터 아주 극소수를 제외하고는 무조건부 기증만을 받아들였기 때문이다. 이러한 정책으로 미술관은 특정 작품이 컬렉션 내에서 차지하는 상대적인 중요도를 정기적으로 재평가할 수 있었으나, 가끔 월터 앤드 루이즈 애런스버그 컬렉션(Walter and Louise Arensberg Collection)과 같은 좋은 작품들이 다른 미술관으로 가는 것을 지켜보아야 하는 대가를 치르기도 했다. 그럼에도 불구하고, 모마는 이 정책으로 미술관의 컬렉션을 지속적으로 재평가하고 필요에 따라 개편할 수 있었으며, 앨프리드 바의 표현을 빌리자면, 언제나 새롭게 다시 태어나는 변형 상태를 지킬 수 있었다. 》》 ‘서문’ 중에서(10쪽)

《아기와 함께하는 식사》는 극장에서 보는 영화의 공식적인 탄생을 알리는 최초의 영화 중 하나로 1895년 12월 28일에 상영되었다. 이날 루이와 오귀스트 뤼미에르 형제는 파리 카퓌 신가(街)에 있는 그랑 카페에서 유료로 관객들에게 단편영화 프로그램을 상영했다. 루이 뤼미에르가 촬영한, 일 분이 채 못 되는 이 단편영화는 오귀스트 뤼미에르와 그의 아내가 아기와 함께 식사하는 장면을 찍은 것이다. 이 영화는 다큐멘터리로 상영되었지만, 뤼미에르 가족이 카메라 앞에서 일상적인 식사 장면을 연출하는 동안 촬영된 것이다. 따라서 이 영화는 실제 사건을 엄격하게 기록하는 뤼미에르 형제의 다큐멘터리와 연출된 희극 영화의 중간쯤에 위치한다고 할 수 있다. 뤼미에르 형제는 이미 잘 알려진 사진가이자 사진장비 제작자였다. 이들은 1894년 파리에서 토머스 에디슨의 키네토스코프(Kinetoscope)를 보았다. 미국에서 발명된 이 기계는 한 번에 한 사람씩만 구멍으로 들여다보게 만든 장치였다. 이것을 본 뤼미에르 형제는 재빨리 카메라와 영사기를 결합한 장치의 발명에 착수했다. 》》 루이 뤼미에르의 ‘아기와 함께하는 식사’ 중에서(28쪽)

《자전거 바퀴》는 뒤샹이 만든 최초의 레디메이드(Readymade)로, 예술 창작에 대한 근본적인 질문을 제기하는 작품이다. 이 작품은 예술의 정의 자체에 대해 질문을 제기하고 있다. 이러한 경우는 일상적인 오브제(자전거 바퀴)에 약간의 변형을 가한 ‘변형된 레디메이드(assisted Readymade)’라고 할 수 있다. 여기에서는 자전거 바퀴를 역시 일상용품인 부엌 의자에 뒤집어서 올려놓는 변형을 가했다. 뒤샹이 일상적인 물건을 예술에 도입한 최초의 작가는 아니었다. 큐비스트들이 이미 콜라주에서 이러한 시도를 했다. 그러나 콜라주는 물체의 형태를 만들거나 위치를 정할 때 미학적인 판단을 필요로 하는 것이었다. 반면 레디메이드는 예술 창작이 이미 존재하는 오브제를 선택하는 것 이상일 필요가 없다는 사실을 의미했다. 이러한 생각은 예술 창작의 과정에 대한 전통적인 전제들에 정면으로 도전하는 것이었다. 이후 1950년대와 1960년대에 뒤샹의 생각이 널리 알려지면서 많은 예술가들에게 엄청난 영향을 끼쳤다. 》》 마르셀 뒤샹의 ‘자전거 바퀴’ 중에서(71쪽)

패션 사진은 이상적인 상황을 포착하여 소비자들의 시각적 열망을 충족시킨다. 패션 사진은 하나의 환상이다. 이 사진에서 여인의 입, 목, 모자, 왼쪽 소매와 아름답게 펼쳐진 오른쪽 소매의 곡선들이 매우 정교하게 균형을 이루고 있어 우리는 모델의 머리를 프레임 밖으로 잘라버린 사진작가의 대담함에 수긍하게 된다. 펜은 1950년에 패션 사진가로 두각을 나타내기 시작했다. 우아하고 엄격한 그의 양식은 과거의 정교한 연출 사진의 잔재를 쓸어냈다. 그의 사진은 새로운 미국적 자신감과 이차대전 이후 두드러진 명료함에 대한 취향을 구체적으로 드러냈다. 시대와 패션은 변했지만, 우아한 균형감을 특징으로 하는 펜의 사진기법과 회화적 경제학은 변하지 않았다. 펜은 반세기 이상 고집스럽게 완벽성을 추구하며 패션에 대한 우리의 열망을 표현해왔다. 》》 어빙 펜의 ‘커다란 소매(서니 하넷), 뉴욕’ 중에서(199쪽)