-화첩 <서양미술 거장전;렘브란트를 만나다>의 그림들

예술 감상을 위한 교양(敎養)

우리들은 흔히 예술작품(특히 그림)을 감상하는 이유로 미 혹은 미적 감수성을 경험하기 위해서라고 답합니다. 그런데 많은 우리들은 그림 앞에서 도대체 이게 뭐야? 하는 당혹감과 낭패감에 당황하고 허둥댔던 기억을 가지고 있습니다. 미적 감수성은커녕 대체 무엇을 그린 것인지 어떤 것을 표현하고자 했는지조차 모르는 경우가 너무나 흔합니다. 대상을 사실적으로 그린 구상 작품마저도 그런 지경이니 난해한 추상의 경우에는 감흥과 감명은커녕 골머리만 아파옵니다.

창피한 일일까요? 그렇지 않습니다. 대상을 보고 바로 느끼고 이해할 수 있는 자연미가 아닌 예술미를 느끼고 받아들이기 위해서는 미를 받아들이는 훈련이 누구에게나 필요합니다. 예술미가 자연미의 모방(mimesis)이라는 고전적 미 개념에서조차 예술미와 자연미의 유사성을 이해하지 않고는 미적 감수성을 가질 수 없습니다. 하물며 자연미와 예술미를 본질적으로 다른 것으로 보는 입장에서는 미란 무엇인가? 하는 보다 기초적인 개념의 정립이 필요합니다.

간단히 말해 자연미는 느낌, 정서의 차원만으로 접촉할 수 있는 것이어서 우리가 쉽게 향유할 수 있는 것인데 반해 예술작품은 느낌만으로 안 되고 이해하고 해석해야 합니다*1. 따라서 예술작품의 콘텍스트(context문맥), 즉 어느 시대에 만들어졌으며, 또 어느 지역에서 제작되었는지, 그것을 그린 화가의 생애는 어떠했는지, 그는 누구와 어울렸으며 어떤 성향을 가졌었는지, 그 예술작품의 일차적인 감상자 주문자는 누구였는지, 상징은 무엇인지 등등 알아야 할 것은 너무도 많습니다.

그래서 예술애호가는 태어나는 것이 아니라 만들어지는 것이란 소리가 가슴에 와 닿습니다. 우리에게 교양이 필요한 이유입니다. 이때의 교양이란, 우리가 하고자 하는 무엇에 대해 필요한 사전 지식이나 기능을 의미할 뿐이지, 어떤 것과 비교우위에 있는 문화적 경험이나 지적 수준을 뜻하지 않습니다. ‘아는 만큼 보인다’는 말처럼 이제 우리는 예술적 미를 감상하고 감흥에 사로잡히기 위해서라도 예술 감상을 위한 교양을 쌓아야합니다.

그림 속에 있는 것들

그렇다면 오늘의 주제인 그림 속에는 무엇이 있을까요. 그 안에는 시대가 있고 역사가 있고 인물이 있으며 신화와 문학, 심지어는 정치적 선동과 도덕적 금기, 윤리와 교육까지, 그 모든 것들이 시공을 초월하여 그 안에 있다고 해도 과언이 아닙니다. 바로 그런 것들이 예술가의 영감과 결합하여 하나의 예술작품으로 세상에 태어나는 것이지요. 그것들 중 무엇을 보고 느낄 것인가 하는 것은 오로지 관람객의 몫입니다.

한가지로 말하면, 필자는 그것을 그림의 이야기성이라 하고 싶습니다. 필자는 그림 속에서 할머니가 들려주시던 구수한 옛날이야기를 듣기도 하고, 때로는 현대의 한복판을 가로지르고 있는 문화적 양태와 그 변화를 보기도 합니다. 드물게는 한 예술가의 고민을 똑 같이 느낄 때도 있고 그가 살았던 시간의 흔적을 쫓아다니기도 합니다. 그러다보면 나도 모르게 저릿한 느낌에 소름이 돋기도 하고 어떤 쾌감에 휩싸여 정신이 어지럽기도 합니다. 바로 제가 프랑스의 문호 스탕달과 비슷한 정신적 충격*2을 경험하는 순간일 것입니다.

우리에게 잘 알려진 미술 에세이스트 이주헌은 “눈이 흐르는 마음을 반영하는 거울이라면, 그림은 그 흐름의 한 순간을 영원한 추억으로 고정시켜 보여주는 거울”이라고 말합니다. 바로 그림 속에 이야기가 살고 있다는 말일 것입니다. 그 안에서 화가의 시간은 멈추어 있고 그것이 관객과 만나면 다시 흐르기 시작하면서 생생한 이야기들을 들려줍니다. 적어도 필자에게는 그렇습니다. 그래서 그림을 보고 미술관을 찾는 것이지요.

그림을 만나러 가는 길-17세기 유럽의 한복판으로

그림 안에 무엇이 있고 그림과 내밀한 이야기를 나누기 위해서는 약간의 수고(교양)가 필요함을 우리는 알았습니다. 교양을 쌓아야 합니다. 우리들에게 가장 손쉬운 방법은 책을 통한 것입니다. 그러나 작은 지면에, 그나마 일부분으로 인쇄된 책 속의 그림을 통해 예술적 감흥을 느끼기란 거의 불가능합니다. 그저 지식의 습득에 그치고 맙니다. 그런 아쉬움을 해결할 수 있는 거의 유일한 방법이 화첩을 통한 간접 관람일 것입니다.

보통의 책들보다 큰 판형으로 제작된 화첩의 그림들은 그런대로 예술적인 느낌을 전해줍니다. 오늘 소개할 <서양미술거장전>화첩처럼 그림 중 중심이 되는 부분을 다시 확대하여 디테일하게 보여주는 경우에는 그 감동의 크기는 작은 책 속의 그것이나 웹사이트에서 볼 수 있는 그림들과 비교할 수 없는 것입니다. 무엇보다 그 전시회의 주제에 맞는 개괄적인 설명과 그림 한 점, 화가 한 명에 대한 자세한 설명과 주석은 그림에 대한 개안을 가능하게 해줍니다.

화첩이 단순히 그림을 보여주는 것이라 생각하면 그것은 섣부른 판단입니다. 그 안에는 그림과 함께 거장들의 생애와 시대 역사적 배경, 화풍의 변화와 흐름 등은 물론 그 작품을 그릴 당시의 다양한 에피소드들이 들어있습니다. 해당 작품들을 소장하고 있는 미술관의 역사와 작품 한 점 한 점의 소장 경로, 연관된 다른 그림과 화가들, 예술 작품의 분류를 뜻하는 ‘장르’가 어떻게 한 분야의 작품들을 총칭하는 ‘장르화’라 불리게 되었는지 하는 소소한 보충 설명까지 그야말로 그림에 관한 지식의 보고입니다.

한가람미술관의 <서양미술거장전;렘브란트를 만나다>는 러시아 국립 푸쉬킨미술관의 소장품 중 17세기 유럽의 그림들과 램브란트의 에칭*3 작품 26점을 전시하고 있습니다. 제1주제 <플랑드르화파:바로크의 장엄한 색채>, 제2주제 <네덜란드화파:시민의 취향>, 제3주제 <이탈리아화파:전통과 스타일의 변주>, 제4주제 <프랑스화파:서정과 로코코의 조화>, 제5주제 <스페인화파:감성과 열정>, 그리고 특별 기획으로 <렘브란트의 에칭 컬렉션>을 볼 수 있습니다.

제1주제를 대표하는 화가는 플랑드르 바로크의 거장 파울 루벤스입니다. 플랑드르는 오늘날 벨기에와 룩셈부르크 지역에 해당됩니다. 17세기 플랑드르는 스페인령으로 오래된 종교전쟁 등으로 거의 폐허가 되다시피 하였지만 루벤스를 비롯한 거장들이 눈부신 작품을 쏟아내며 황금시대를 구가하고 있었습니다. 특히 그들의 채색실력은 회화사에서도 뛰어난 것이었습니다. 또한 피터르 브뤼헐에서 비롯한 풍속화의 발생지이기도 합니다. 바로 장르화란 풍속화를 의미하는 것이고, 특히 다음으로 보게 되는 네덜란드화파의 풍속화를 지칭합니다.

제2주제인 네덜란드화파를 대표하는 화가는 두말할 나위 없이 렘브란트입니다만 유화로는 <나이 든 여인의 초상> 한 점만이 전시되어 아쉬움을 더합니다. 그러나 이름도 외우기 힘든 많은 당대의 화가들이 네덜란드 화단의 저력을 유감없이 보여줍니다. 네덜란드는 스페인과의 치열한 독립전쟁을 치러 역사상 최초의 부르주아 공화국을 탄생시킨 나라입니다. 이것은 대단히 중요해서 화가가 왕이나 귀족들의 주문에만 의존하지 않고, 오히려 신흥자본가 계급의 주문에 따라 그림을 그리게 되는 원인이 됩니다. 이는 그림 혹은 화가 역시 시장에서 생존해야 한다는 현실적인 문제를 보여줍니다.

피터르 더 호흐의 작품 <어머니의 손길>에서는 영화 <진주 귀고리를 한 소녀>의 주인공 델프트의 얀 베르메르의 작품이 저절로 떠오르기도 하고, 오흐테르벌트의 <생선을 사는 안주인>을 설명하고 있는 에피소드에는 당시 청교도 사회였던 네덜란드의 현모양처상에 신선한 생선을 고르는 안목이 있어야 한다는 내용이 들어 있어 실소를 자아냅니다. 또한 피터르 크로스의 <바다 위의 폭풍> 쪽에 설명된 기독교의 상징이 어떻게 다른 의미를 가지는지 놀라기도 합니다.

그 외 다른 주제들과 많은 전시 작품들에 대한 설명을 이 지면에서 다 할 수는 없습니다. 또한 루벤스, 브뤼헐, 램브란트, 프랑스편의 니콜라 푸생이나 프랑스와 부셰, 그리고 수르바난 정도를 제외하고는 우리에게 생소한 화가들일지는 모르겠습니다. 그러나 다른 화가들 역시 당대에는 커다란 족적을 남긴 화가들이었고 그들의 작품은 우리를 17세기 유럽의 한복판으로 이끌기에 충분합니다. 화첩에 동봉되어 있는 초대권 한 장에는 미술관 가는 길이 보입니다. 우린 그 길을 따라가 와우! 놀라며 감동하면 그것으로 족할 것입니다.

주*1: 예술미와 자연미의 차이를 두는 이런 입장은 딜타이라는 철학자와 맥락이 닿아있다. 딜타이는 철학에서 해석학이라 부르는 영역을 체계화시킨 철학자로 그는 자연적인 것과 인간적인 것에 접근할 때는 전혀 다른 방식의 접근이 필요하다고 한다.   주*2: <스탕달 신드롬>이란 프랑스의 작가 스탕달(Stendhal)이 1817년 이탈리아 피렌체에 있는 산타크로체성당에서 레니(Guido Reni)의 《베아트리체 첸치》작품을 감상하고 나오던 중 무릎에 힘이 빠지면서 황홀경을 경험했다는 사실을 자신의 일기에 적어 놓은 데서 유래한다.   주*3: <에칭>은 동판 위에 질산에 부식되지 않는 초 같은 것을 바르고 그 표면에 바늘 등으로 그림을 새긴(벗겨낸) 다음 질산을 부어 동판을 부식시켜 만드는 판화로 대량 인쇄가 어렵다.